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Exposition  CALDER   - Rêver en équilibre -

La Fondation Louis Vuitton fait décoller l’art ! Du 15 avril au 16 août 2026, elle célèbre le centenaire de l'arrivée d'Alexander Calder en France et les cinquante ans de sa disparition, avec "Calder. Rêver en équilibre", une rétrospective qui fait flotter près de 300 œuvres : mobiles, stabiles, portraits en fil de fer, sculptures en bois, peintures, dessins et bijoux sculpturaux.

Sur 3 000 m2, le visiteur navigue entre gravité, lumière, espace positif et négatif, dans une chorégraphie aérienne au cœur des volumes de la Fondation imaginés par Frank Gehry. Ici, chaque pièce bouge… ou donne l’illusion de le faire, comme suspendue dans le temps.

Le parcours plonge aussi dans les racines de l’artiste : à 25 ans, il renoue avec l’héritage familial en peinture et dessin avant d’arriver à Montparnasse en 1926, où ses sculptures en fil de fer et son Cirque Calder miniature captivent les avant-gardes parisiennes. Grâce au Whitney Museum of American Art, ce cirque revient pour la première fois à Paris depuis quinze ans. À l'époque, les acrobates, clowns et cavaliers miniatures prenaient vie sous les mains de l’artiste, et le spectacle captivait un public de choix - Léger, Mondrian, Miró et Picasso au premier rang !

Calder n’a pas seulement inventé des formes : il a donné le mouvement au temps, transformant la sculpture en expérience vivante. Pour replacer l'artiste au cœur des avant-gardes, des œuvres de Mondrian, Arp, Hepworth, Klee et Picasso encadrent son génie, soulignant la radicalité de ses inventions, tandis que 34 photographies de Cartier-Bresson, Man Ray ou Agnès Varda révèlent un artiste funambule oscillant entre vie et art.

De ses premières expériences abstraites à ses sculptures monumentales des années 1960-70, Calder redéfinit la sculpture à toutes les échelles. L’art n’est plus figé, il rêve en équilibre

   Cliquez sur l'image pour voir cette grande rétrospective de ce grand artiste et restez en équilibre

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Exposition  Hilma AF KLINT

"Et si les esprits avaient ouvert la voie à l’abstraction ? Le Grand Palais consacre une exposition inédite en France à Hilma af Klint, artiste suédoise visionnaire et figure majeure de l’abstraction, du 6 mai au 30 août 2026. Née en 1862, elle développe dès le début du XXe siècle un langage pictural fondé sur les formes géométriques, les couleurs puissantes et les motifs organiques, à une époque où l’histoire de l’art associe encore l’émergence de l’abstraction à Kandinsky ou Malevitch. À travers cette exposition, son œuvre mystique, nourrie par le spiritisme, l’occulte et la recherche du monde invisible, invite à reconsidérer la place d’Hilma af Klint dans l’histoire de l’art moderne.

Une exposition qui  présente pour la première fois en France son œuvre, dont l'intégrale des Peintures du Temple (1906-1915), un cycle mystique et monumental composé de 193 œuvres, dont la célèbre série des Dix Plus Grands aux formats vertigineux et à la symbolique ésotérique. Un moment fort pour tous ceux qui s’intéressent aux origines de l’abstraction, mais aussi aux liens entre art, spiritualité et sciences occultes.

Formée à l’Académie royale des Beaux-Arts de Stockholm, l'artiste menait une double vie artistique : d’un côté, une production académique aux accents figuratifs, de l’autre, une création secrète et radicalement nouvelle. Influencée par le spiritisme, la théosophie et ses expériences médiumniques au sein d’un groupe de femmes appelé De Fem (composé de 5 femmes artistes, à savoir Hilma af Klint, Sigrid Herman, Anna Cassel, Cornelia Cederberg et Mathilda Nilsson), elle invente un langage plastique pour traduire les forces cosmiques et invisibles qui l’inspirent. Spirales, cercles, faisceaux de lumière composent un vocabulaire visuel unique, loin des canons établis de son époque.

Longtemps ignorée, Hilma af Klint connaît une redécouverte mondiale depuis les années 1980, notamment grâce à des expositions comme The Spiritual in Art à Los Angeles en 1986, ou plus récemment, Elles font l’abstraction au Centre Pompidou. L’exposition du Grand Palais s’inscrit dans cette dynamique de réhabilitation des artistes femmes, révélant leur rôle dans la genèse des grands mouvements du XXe siècle.

À travers cette mise en lumière, c’est toute une réévaluation des récits dominants de l’histoire de l’art qui est proposée, ouvrant de nouveaux horizons à la lecture de la modernité."

 Cliquez sur l'image pour découvrir cette grande artiste encore peu connue en France 

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Exposition  Giovanni SEGANTINI  - Je veux voir mes montagnes -

"La montagne comme horizon intérieur... Le Musée Marmottan Monet consacre à Giovanni Segantini une grande rétrospective intitulée Je veux voir mes montagnes, du 29 avril au 16 août 2026. Première exposition monographique d’envergure dédiée en France à ce peintre italien majeur, le parcours explore l’œuvre d’une figure essentielle du symbolisme et du divisionnisme européens, entre paysages alpins, lumière des sommets et quête spirituelle.

Peintures à l’huile, pastels et dessins : plus de soixante œuvres, complétées par une trentaine de travaux sur papier venus de collections européennes, retracent la trajectoire de cet artiste inclassable, mort prématurément en 1899. Lui qui rêvait de présenter son travail au public parisien voit aujourd’hui ce projet symboliquement accompli grâce à cette exposition.

Ce qui distingue l'œuvre de Giovanni Segantini, c’est sa capacité à faire vibrer la matière picturale, en juxtaposant les touches selon les principes du divisionnisme, pour créer des effets de lumière presque vibratoires. Dans son œuvre, les thèmes de la maternité, de la solitude, de la mort et de la rédemption s'entrelacent dans des paysages où la nature devient le miroir de l'âme humaine. En cela, il s’inscrit pleinement dans la mouvance symboliste, mais avec une puissance visuelle qui rappelle la rigueur du réalisme. L'exposition, imaginée comme l'ascension d'une montagne, vous propose diverses pièces à diverses altitudes, à la manière des randonneurs grimpant un sommet.

On grimpe sans grimper tout en profitant des œuvres, donc... Parallèlement à cette rétrospective, le musée présente aussi un hommage d’Anselm Kiefer, réunies sous le titre Voglio vedere le mie montagne. En écho contemporain à l’univers de Giovanni Segantini, l’artiste explore à son tour cette relation au paysage comme lieu de mémoire, de souffrance et de transcendance. Quatre œuvres, présentées à la fin du parcours, instaurent ainsi un dialogue inédit entre deux visions du monde, à plus d’un siècle de distance, mais unies par la même fascination pour la montagne comme espace mental."

 Cliquez sur l'image pour découvrir Giovanni SEGANTINI peu connu en France

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